Una serata molto particolare, di quelle che ti riconciliano con la musica dopo momenti difficili che si sommano alle soddisfazioni professionali pericolosamente latitanti.
Una serata di pioggia, in cui Milano non ha voglia di addormentarsi, e rumori del centro sono ancora più fastidiosi nel buio della notte incipiente.
Così entri trafelato in una chiesa di Corso Italia, passi dal freddo della strada umida al calore di questo luogo sacro.

Prendo il programma di sala, già mi avevano accennato della figura di questo Sacerdote – Pianista: Don Carlo Josè Seno, milanese del 1958, cresciuto al Conservatorio di Milano alla scuola di Mozzati e perfezionatosi a Parigi sotto la guida di Germaine Mounier e Georges Cziffra.
Avviatosi a una carriera di brillante concertista, nel 1983 entrà nel Seminario della diocesi di Milano e nel 1990 viene ordinato Sacerdote.

Esce dalla sacrestia con un volto luminoso e sorridente, prende in mano il microfono e saluta i presenti, nulla c’è della liturgia tipica dei concerti.
E’ l’ultimo appuntamento del ciclo Chopiniano, serate in cui racconta la vita di Chopin, spiega la genesi delle opere, offre semplici spunti di ananlisi con esempi al pianoforte…e poi suona.
E suona veramente! Con tecnica cristallina, buon gusto, brio, sensibilità: esce il carattere Chopiniano in tutti i suoi aspetti.

Durante le brevi introduzioni ai singoli brani fa ascoltare i temi e ci offre la sua interpretazione del brano: ciò che suscita in lui, ciò che rappresenta, cosa “racconta”: ha comunque l’accortezza di spiegare al pubblico che Chopin non ha mai scritto musica a programma, la musica racconta sé stessa, il suo percorso è solo emotivo e spirituale e non ha nessun aggancio con storie o immagini.
Certo le sue “interpretazioni” e  spiegazioni sono opinabili ma si percepiva chiaramente quanto fossero meditate e soppesate e non fossero un semplice artificio per raccontare la musica.
Colpiva la naturalezza con cui passava dal microfono alla tastiera del pianoforte snocciolando le cascate di note della prima ballata senza la minima incertezza.

Ho partecipato al concerto con grande piacere, conosco a memoria le ballate, ma se ci si dispone con animo nuovo e aperto…le persone, le storie, la musica…hanno sempre qualcosa da dirci.
Si intuiva quanto per questo sacerdote la musica fosse un mezzo per avvicinarsi a Dio, per vivere la sua spiritualità attraverso il pianoforte.
Anche per chi non è credente: ho la convinzione che l’arte abbia la capacità di avvicinarsi a ciò che c’è di più profondo, vero, bello, dentro di noi.
Coltiviamo l’arte con animo sincero e trasparente: forse la bellezza salverà questo mondo.

Il bis è stato l’Ave Maria di Bach Gounod, terminata in silenzio senza applausi per espressa volontà di Don Carlo, come fosse un momento di preghiera conclusiva.
[Ho scoperto in questa occasione che è possibile suonare il 1' preludio del 1' libro del C.B.T. con la sola mano sinistra!]

Terminato il concerto, accompagnato da una amica del Sacerdote mi sono recato in sacrestia per salutarlo e complimentarmi con lui, una persona semplice e gentile: mi è venuta in mente la parabola dei talenti: “A chi molto è stato dato molto sarà chiesto!”, dobbiamo essere grati che ci siano persone che regalano al prossimo la loro arte con semplicità, naturalezza e modestia.
Quante figure di “artisti” vanagloriosi, supponenti, arroganti si incontrano nella carriera di musicista!

Poi sono uscito nel freddo della strada, la neve si trasformava in pioggia, Milano dormiva, la giornata era finita bene.
Stefano.

C’è da chiarirsi su un punto importante:

Il contrappunto non è che uno degli aspetti di una composizione, c’è l’armonia, la forma, lo stile: tutti aspetti intrecciati tra di loro.
Ora, i manuali tradizionali di contrappunto in “stile severo”, dal “Gradus ad Parnassum” di Fux del 1725 in poi, insegnano a muovere le voci in un percorso dal sempilce al complesso:

• Prima contrappunto di prima specie: a 2 parti, poi seconda specie, etc…
• Poi 3 parti: prima specie, seconda specie, etc…così via fino ad arrivare a 8 parti/doppio coro.
• Poi si passa al contrappunto doppio e alla fuga.

Questi manuali NON TRATTANO aspetti stilistici, armonici, melodici, formali, etc…

Un ottimo manuale di questo tipo anche se un po’ datato è il Dubois che ha la difficoltà di essere scritto nelle 4 chiavi antiche. Bisogna considerare anche la limitazione che studiando su questi testi si impara a scrivere solo per voci e non per strumenti.

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Un altro manuale di questo tipo (esclusivamente stile severo vocale) è quello di Markand Thakar;ha anche delle guide molto dettagliate per la “risoluzione” degli esercizi…con qualche
stranezza: a volte consiglia di partire la risoluzione dalla cadenza finale…ma io le frasi musicali le costruisco dall’inizio!

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Ci sono poi manuali che si occupano di CONTRAPPUNTO/COMPOSIZIONE.

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Uno dei miei preferiti è quello di Walter Piston; basta scorrere l’elenco dei capitoli per capire la diversa impostazione:
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• La curva melodica
• Il ritmo melodico (metro, accenti…)
• La base armonica (cromatismo, dissonanze armoniche, dissonanze contrappuntistiche, note di passaggio…)
• Ritmo armonico (attività armonica, relazioni col metro…)
• Contrappunto a due parti
• Struttura motivica

Capite che un manuale di questo tipo affronta la questione in maniera completamente diersa: presenta esempi di musica pianistica, orchestrale, strumentale…

Gli esercizi sono molto più stimolanti, ma presuppongono una guida esperta di un compositore o che lo studente abbia già un certo talento compositivo innato.
Si può anche pensare di affiancarlo a manuali tipo: “Elementi di composizione musicale” di A. Shonberg.

Un altro manuale che ha un approccio simile è: “Contrappunto e composizione” di Feliz Salzer & Carl Schachter.
Al dì là del discorso sull’analisi Shenkeriana di cui i due autori sono convinti sostenitori; teoria che comporta all’interno del volume l’utilizzo di metologie di analisi non universalmente riconosciute, il testo è molto chiaro.
Comincia con la costruzione del “cantus firmus”, poi continua con l’analisi delle varie specie.
Dopo circa un centinaio di pagine comincia la seconda parte: “Tecniche di contrappunto plrolungato” in cui analizza vari frammenti di composizioni individuando le specie dei contrappunti utilizzate e vari aspetti del contrappunto:

• Prolungamneti melodico-contrappuntistici
• Contrappunto interno ad accordi prlolungati
• L’evoluzione della dissonanza
• …….

Poi è presente una sezione sul “corale”, segue un capitolo sul contrappunto imitativo, in fine una parte MOLTO INTERESSANTE di circa un centinaio di pagine sulle varie tecniche di condotta delle parti dal 1450ca. al 1900 ca.
Contiene esempi di Okeghem, Despres, Palestrina, Bach, etc. fino ad arrivare a Faurè e Skrjabin.

Ciò che conta poi è l’ANALISI e la COMPRENSIONE dei capolavori della letteratura!

Mi ricordo che qualche anno fa feci una trascrizione per pianoforte a 4 mani della Ouverture del “Flauto Magico” di Mozart: esempio sublime di compenetrazione tra la tecnica contrappuntistica della fuga e la forma sonata.
Fu un esercizio utilissimo: scrivere nota per nota i temi, le entrate, gli intrecci mi servì per comprendere come era stato costruito questo brano.

Io consiglio sempre di studiare trascrivendo molti passi contrappuntistici che ci piacciono, perchè il contrappunto è una forza espressiva musicale molto potente se ben usata, non deve essere MAI un sistema arido di combinazioni di note.
Sopratutto impareremo che la forza del contrappunto stà nella caratterizzazione dei temi che vengono combinati: il Kyrie dal Requiem di Mozart, la “Sonata a tre” dall’ offerta musicale di Bach, il “Preludio Corale e Fuga” di Frank!
Lo studio di questi brani associato al costante esercizio compositivo in stile severo ci permetterà di comprendere l’intima essenza e vitalità del contrappunto e di acquisire una salda sensibilità contrappuntistica.

Se desiderate il PDF dell’articolo:
manuali_di_contrappunto.pdf

L’ho comprato dopo aver visto/sentito il video della traccia 5: “Haven’t met you yet”.
Questa canzone mi ha messo di buon umore, così d’impulso ho comprato l’album…

Impressioni

Come d’abitudine l’ho ascoltato tutto dalla prima traccia all’ultima.
Un ottimo lavoro; ben arrangiato, ben suonato, ben cantato, ben registrato.

Traccia per traccia

Parte con una serie di classici: “Cry me a river”, “All of me”, “Georgia on my mind”.
Pur restando nel solco dello swing/jazz tradizionale gli arrangiamenti sono freschi e piacevoli, Quincy Jones è l’arrangiatore di “All of me”, i suoi colleghi seppure meno famosi non sono da meno riguardo alla qualità del lavoro. Ho deciso di proposito di non riascoltare gli originali o le versioni storiche più conosciute, la prova di Bublè è più che convincente.
La traccia 4 “Crazy love” è un brano di Van Morrison cantato con dolcezza e convinzione con uno stupendo solo di chitarra di Michael Landau.
La traccia 5 “Haven’t met you yet” è firmata da Bublè con Alan Chang (superbo pianista) e Amy S. Foster.  Bellissimo il mixaggio con la chitarra in sottofondo, bellissima la linea melodica e l’inciso che porta al ritornello, bello l’accompagnamento semplicissimo ad accordi ribattuti al piano e bella la frase finale del ritornello in cui resta solo la voce. Dopo la seconda strofa c’è un solo di tromba , mi ricorda certe cose di George Martin tipo “Penny Lane” dei Beatles.
Sono brani da ascoltare più volte per apprezzarne la pregevole fattura e le sottigliezze dell’orchestrazione.
La traccia 7 “Hold on” è il 2′ brano composto da Michael Bublè: una ballata lenta che sebbene sia armonicamente semplice non dà l’impressione di già sentito o di scontato.
La traccia 8 “Heartache tonight” è uno strano incontro tra il rock della chitarra elettrica con i brass di una big band.
Con il brano “You’re nobody till somebody loves you” si torna agli anni ’50: una ballad con piano (ben suonato) e voce a cui si unisce la band nella seconda strofa, pregevole la tromba con sordina che dialoga con la voce e l’uso sapiente del ride nella parte ritmica.
La traccia 11 “At this moment” è un altro piccolo gioiello con Vinnie Colaiuta alla batteria e Nathan East al basso e una interpretazione molto intensa ma misurata di Bublè.
Il brano 13 “Whatever it takes” ha un sapore vagamente latino.
La traccia finale “Some kind of wonderful” è un altro classico di Gerald Goffin e Carol King che ci riporta agli anni ’60.

Conclusioni

Michael Bublè sa cantare, sa scegliere le canzoni, sa scegliere i collaboratori giusti e sceglie i migliori musicisti in circolazione (citiamo almeno Lenny Castro alle percussioni, per chi non lo sapesse gia percussionista con i Toto in brani storici quali “Africa”).
Un prodotto “di nicchia” che dal mio punto di vista tutti gli appassionati di musica dovrebbero apprezzare.
La voce è molto presente nel mixaggio senza sovrastare gli strumenti,  suona molto naturale e si ha modo di ascoltarne ogni singola inflessione sia nel grave che all’acuto, e non scompare nelle parti sussurrate, pur non avvertendo minimamente l’uso di compressori.
Un grande plauso va agli arrangiatori per la grande tavolozza sonora e timbrica utilizzata.