“Metodo efficace con cui si presenta in forma chiara agli appassionati del clavicembalo e soprattutto a coloro che sono desiderosi di apprendere, non soltanto come si suona correttamente a due voci, ma anche come si può arrivare, man mano che l’allievo progredisce, a far buon uso di tre voci obbligate e ottenere così non soltanto delle buone invenzioni, ma poterle pure bene eseguire e soprattutto acquistare l’arte del cantabile e il gusto della composizione »

Joh. Seb. Bach, Maestro di Cappella di Sua Altezza il Principe di Anhalt-Köthen, Anno Christi 1723.

invenzione.mp3
Come è chiaro dalle parole di J.S. Bach, le invenzioni e le sinfonie furono scritte come opere didattiche per aspiranti cembalisti e aspiranti compositori; la difficoltà per entrambe le figure è la stessa, si tratta di portare avanti 3 voci: nel caso del pianista di farle sentire con 3 qualità di tocco/suono diffrenti, nel caso del compositore di comporre tre voci che si armonizzino in un insieme organico.
Pur nella loro semplicità e brevità le sinfonie sono dei piccoli capolavori.
La sinfonia in SOL maggiore potrebbe essere paragonata a una fuga:

• Esposizione: misure 1- 8
• Parte libera: misure 9 – 19
• Esposizione ai toni vicini: misure 20 – 24
• Esposizione finale: misura 25 – 33

Mancherebbero gli stretti e il pedale…infatto ho scritto “potrebbe essere paragonata a una fuga”!
La prima esposizione presenta le entrate del tema in tonalità di impianto (soggetto) e lla tonalità della dominante (risposta) come se si trattasse di una vera e propria fuga; non è individuabile però un controsoggetto dal profilo melodico/ritmico definito.
La 3′ voce che entra all’inizio alla mano sinistra serve come semplice sostegno armonico, si muove infatti sui gradi principali delle tonalità di SOL maggiore e di RE maggiore fino a misura 7 quando entrerà con il tema.

Per il resto non saprei che altro aggiungere, godetevi una buona registrazione o studiatevela al pianoforte!
Io ho preparato uno spartito in PDF con le 3 voci in 3 colori diversi, spero vi possa essere utile per lo studio.
Buona musica a tutti.
Stefano.
Invenzione_3_voci_sol_maggiore.pdf

E’ formato da tre tracce con 3 sonorità differenti:

1. Campione della nota più acuta del pianoforte riportata su tutta l’estensione dello strumento.
2. Campione della nota più grave dello strumento riportata su tutta l’estensione dello strumento e con inviluppo ad attacco lento (è il suono che in certi casi assomiglia a un sitar/clavicembalo).
3. Multicampionamento a 88 tasti variamente filtrato: VST di PIANOFORTE ACUSTICO.

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Le tre tracce sono state suonate sulla base di appunti presi al pianoforte, essenzialmente si tratta di 2 elementi:

• Tremolo su basso.
• Linea melodica in fugato.

Il brano mi è stato ispirato dall’attento ascolto di “Sofferte Onde Serene” di Nono.
Probabilmente lo svilupperò per pianoforte e nastro magnetico, per ora lo lascio come “bozza” anche se ha comunque una sua compiutezza formale: un piccolo aforisma di 4 minuti.
Npon sono un paito del “live electronics”, non ho voglia di mettermi a programmare le patch MAX-msp, probabilmente registrerò una mia esecuzione al pianoforte e predisporrò una versione definitiva.
Il brano è stato suonato “pianisticamente” con un controller midi (master keyboard).
I suoni 1 e 2 sono stati suonati già nella loro versione elaborata, mentre per quanto riguarda il suono 3 la parta effettistica è stata aggiunta in seguito.
Spero lo possiate apprezzare-
Buona musica.
Stefano.
aprile.mp3

Se desiderate il PDF dello spartito:
FRA_MARTINO_canone.pdf

Una serata molto particolare, di quelle che ti riconciliano con la musica dopo momenti difficili che si sommano alle soddisfazioni professionali pericolosamente latitanti.
Una serata di pioggia, in cui Milano non ha voglia di addormentarsi, e rumori del centro sono ancora più fastidiosi nel buio della notte incipiente.
Così entri trafelato in una chiesa di Corso Italia, passi dal freddo della strada umida al calore di questo luogo sacro.

Prendo il programma di sala, già mi avevano accennato della figura di questo Sacerdote – Pianista: Don Carlo Josè Seno, milanese del 1958, cresciuto al Conservatorio di Milano alla scuola di Mozzati e perfezionatosi a Parigi sotto la guida di Germaine Mounier e Georges Cziffra.
Avviatosi a una carriera di brillante concertista, nel 1983 entrà nel Seminario della diocesi di Milano e nel 1990 viene ordinato Sacerdote.

Esce dalla sacrestia con un volto luminoso e sorridente, prende in mano il microfono e saluta i presenti, nulla c’è della liturgia tipica dei concerti.
E’ l’ultimo appuntamento del ciclo Chopiniano, serate in cui racconta la vita di Chopin, spiega la genesi delle opere, offre semplici spunti di ananlisi con esempi al pianoforte…e poi suona.
E suona veramente! Con tecnica cristallina, buon gusto, brio, sensibilità: esce il carattere Chopiniano in tutti i suoi aspetti.

Durante le brevi introduzioni ai singoli brani fa ascoltare i temi e ci offre la sua interpretazione del brano: ciò che suscita in lui, ciò che rappresenta, cosa “racconta”: ha comunque l’accortezza di spiegare al pubblico che Chopin non ha mai scritto musica a programma, la musica racconta sé stessa, il suo percorso è solo emotivo e spirituale e non ha nessun aggancio con storie o immagini.
Certo le sue “interpretazioni” e  spiegazioni sono opinabili ma si percepiva chiaramente quanto fossero meditate e soppesate e non fossero un semplice artificio per raccontare la musica.
Colpiva la naturalezza con cui passava dal microfono alla tastiera del pianoforte snocciolando le cascate di note della prima ballata senza la minima incertezza.

Ho partecipato al concerto con grande piacere, conosco a memoria le ballate, ma se ci si dispone con animo nuovo e aperto…le persone, le storie, la musica…hanno sempre qualcosa da dirci.
Si intuiva quanto per questo sacerdote la musica fosse un mezzo per avvicinarsi a Dio, per vivere la sua spiritualità attraverso il pianoforte.
Anche per chi non è credente: ho la convinzione che l’arte abbia la capacità di avvicinarsi a ciò che c’è di più profondo, vero, bello, dentro di noi.
Coltiviamo l’arte con animo sincero e trasparente: forse la bellezza salverà questo mondo.

Il bis è stato l’Ave Maria di Bach Gounod, terminata in silenzio senza applausi per espressa volontà di Don Carlo, come fosse un momento di preghiera conclusiva.
[Ho scoperto in questa occasione che è possibile suonare il 1' preludio del 1' libro del C.B.T. con la sola mano sinistra!]

Terminato il concerto, accompagnato da una amica del Sacerdote mi sono recato in sacrestia per salutarlo e complimentarmi con lui, una persona semplice e gentile: mi è venuta in mente la parabola dei talenti: “A chi molto è stato dato molto sarà chiesto!”, dobbiamo essere grati che ci siano persone che regalano al prossimo la loro arte con semplicità, naturalezza e modestia.
Quante figure di “artisti” vanagloriosi, supponenti, arroganti si incontrano nella carriera di musicista!

Poi sono uscito nel freddo della strada, la neve si trasformava in pioggia, Milano dormiva, la giornata era finita bene.
Stefano.

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Ho pensato di muovere molto la mano sinistra: basso, accordi, note di passaggio o appoggiature al basso.
Come esercizio si può, a seconda dei casi: o raddopiare in ottava il basso o spostarlo una ottava sotto.
La destra non presenta difficoltà particolari; bisogna prestare attenzione a far risaltare la melodia con il 4′ e 5′ dito quando si eseguono in contemporanea delle armonie, poi c’è qualche salto un po’ delicato come a misura 5.
Riguardo alle armonie mi sono attenuto in maniera abbastanza precisa alle siglature indicate: qualche sostituzione di tritono qua e là…qualche relativo minore…qualche aggiunta di 13′ e 9′…

Per chi volesse il PDF dello spartito:
misty.pdf

Buona musica! Stefano.

La tonalità sarebbe quella di mi minore anche se il Do diesis alla melodia a misura 7 potrebbe suggerire un “modo dorico“, la tonica comunque è inequivocabilmente il MI.
Non presenta difficoltà ritmiche se non una quarto puntato seguito da un ottavo a misura 2, le mani hanno qualche principio di moto contrario, pur essendo molto semplici da coordinare.
E’ auspicabile che un insegnante di musica abbia delle buone conoscenze di armonia, quanto meno per suonare insieme all’allievo e magari armonizzare il brano.
Spesso mi capita di suonare degli accordi mentre l’allievo suona la melodia o sedermi alle tastire e accompagnare l’allievo, è cosa utile perchè si può offrire all’all’ascolto una musica più “completa” e piacevole e far percepire all’allievo l’armonia che è sottointesa nelle note della mano sinistra, in questo modo si sviluppa anche l’orecchio e la sensibilità armonica.

Buon lavoro agli insegnanti e ai piccoli allievi!

scarborough_fair.mp3

Se desiderate il PDF dello spartito:
scarborough_fair.pdf

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L’ho trascritto in Mi maggiore.
[non vedo perchè un allievo all'inizio degli studi non debba usare i tasti neri!]
La melodia è alla mano destra, la sinistra non si limita a un semplice accompagnamento; a volte come nelle prime battute riprende l’inciso iniziale, altre volte “accompgna” con una linea melodica aggiuntiva.
Si spera in questo modo che l’allievo cerchi di seguire e fraseggiare anche la mano sinistra.
Da battuta 9 ho fatto una variante della mano sinistra con fondamentale – quinta – ottava dell’accordo, poi a misura 12 segue una frase leggermente diversa.
I finali di battuta 8 e di battuta 17/18 differiscono in quanto ho deciso di far scendere la 7′ al posto di riprendere l’inciso della mano destra.

Se desiderate il PDF dello spartito:
when_the_saints.pdf

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L’ho scritto in una tonalità difficile: Fa minore, pensando al movimento che devono fare entrambe le mani per passare dai tasti bianchi ai tasti neri.
E’ difficile soprattutto la mano sinistra: ci sono frequenti cambi di armonia e contiene anche accordi di 3 note con combinazioni di tasti bianchi e neri.
E’ utile anche come esercizio per le alterazioni momentanee che abbondano in tutto il brano.

L’armonizzazione non mi convince completamente: ho messo qualche rivolto “non corretto”: ci sono ad esempio degli accordi di 4’ e 6’ che non sono né “accordi di volta” né “4’ e 6’ di cadenza”, ci sono anche delle settime di sensibile in primo rivolto mentre sarebbe stato più corretto mettere delle settime di dominante; ho fatto ciò per evitare acordi di 4 note e per non obbligare l’allievo a salti troppo frequenti e complicati.

Da notare alle misure 3/4 la cadenza sulla dominante Do utilizzando la 6′ napoletana: Reb maggiore (funzione di sottodominante) in 1′ rivolto che risolve su una settima di dominante costruita sul Sol, il quale a sua volta cadenza sul Do maggiore; il Do maggiore è poi considerato dominante di Fa minore.
Tra misura 12 e misura 13 la faccenda si fa ancora più interessante perché la Dominante di Fa risolve (con cadenza evitata) su un La bemolle maggiore (relativo maggiore del tono).

Sicuramente un piccolo allievo non è in grado di capire questa spiegazione…ma intanto suona, ascolta, sente!

[Mi sono sempre chiesto perchè i libri per i piccoli, tralasciando le debite eccezioni dei grandi autori, siano così poveri armonicamente e melodicamente! Magari le dita non vanno ma le orecchie ce le hanno eccome!]

Sono stato ligio agli insegnamenti del professor Filippo Emanuele Ravizza (bravissimo clavicembalista e continuista) secondo cui “LE PARTI NON DEVONO CANGURARE!”

Riguardo alla diteggiatura: ne ho scritta una, comoda per me, ogni insegnante è sicuramente in grado di indicare una diteggiatura comoda e funzionale secondo le capacità dell’allievo.

Se desiderate lo spartito in formato PDF:
greensleeves.pdf

La difficoltà che ho trovato nella maggior parte dei libri di didattica pianistica è che costringono l’allievo a tenere la mano ferma per tutto il brano; vale a dire il 1′ dito della destra sul Do e il 5′ della sinistra sul Do, e ciò per un grande numero di brani, poi si passa alla “posizione di Sol”, con il 1′ dito della destra sul Sol e il 5′ della sinistra sul Sol.

Già non mi piace l’espressione: “Posizione di Do o di Sol”; NON esistono posizioni per le tonalità!

La diteggiatura dipende dalla comodità della mano o dal fraseggio!

Spostare la mano durante il brano permette all’allievo di essere sempre cosciente su dove si trovano le sue dita, permette anche di avere un movimento fluido del braccio, permette di alzarlo e di farlo cadere in modo naturale sulla tastiera, permette di spostare il peso da un dito a un altro, permette anche di allargare o stringere la mano, quindi non solo di tebere la “posizione delle 5 dita”.

Il brano che segue è uno spiritual: AMAZING GRACE, va suonato in tempo moderato curando molto bene la naturalezza del movimento, soprattutto della mano destra (la sinistra è più ferma).
Si può far studiare all’allievo anche solo la destra mentre l’insegnante accompagna con dei semplici accordi, così c’è subito un risultato, l’allievo si diverte e può concentrarsi su una sola mano.
Si può anche insegnargli a suonarla senza guardare la mano, così imparerà a effettuare questi piccoli spostamenti e a percepire i movimenti della mano.

Se desiderate il PDF dello spartito:
amazing_grace.pdf
Se volete ascoltare la trascrizione:
amazing_grace.mp3

IL BLUES: Tutti i musicisti hanno suonato almeno una volta nella loro carriera un blues, tutti i chitarristi suonano il blues in Mi, tutti i pianisti hanno incominciato a improvvisare utilizzando le pentatoniche su un blues. La struttura tradizionale in 12 misure utilizza 3 accordi di settima di dominante costruiti sul 1′, sul 4′ e sul 5′ grado della scala, io vorrei proporvi una struttura un po’ più elaborata che ci permetta di utilizzare accordi diversi e cadenze diverse all’interno del brano.

Blues tradizionale in 12 battute:

• 4 misure sul 1′ grado
• 2 misure sul 4′ grado
• 2 misure sul 1′ grado
• 2 misure sul 5′ grado
• 2 misure sul 1′ grado

Notate che tutti gli accordi sono accordi di SETTIMA DI DOMINANTE.
Ho indicato il grado della scala e non l’accordo in sè, perché questo vuole essere un modello per il blues in qualsiasi tonalità.
La dicitura “settima di dominante” può apparire fuorviante in quanto non c’è né risoluzione armonica né melodica: la sensibile e la controsensibile non risolvono e l’accordo successivo non è detto che si trovi una 4′ sotto.
La settima è un “colore”, non ha funzione dominantica.

VARIANTI
Ci sono numerosissime varianti del blues.
Sopratutto da quando i jazzisti si sono impadroniti di questa forma musicale.
Propongo una variante da me armonizzata che ho trovato sul manuale: “Blues in all keys” della Jamey Aebersold jazz.
E’ fatta con voicing molto densi con dissonanze anche in posizione stretta, ho inserito molti tipi di accordi: accordi con 9′ maggiori e minori, tredicesime, 9′ aumentata.
Abitualmente, almeno in ambito classico sono un fanatico della correttezza della nomenclatura degli accordi e degli intervalli, ma ho visto che anche manuali molto quotati si prendono qualche libertà sopratutto per comodità di lettura.
A battuta 5 per essere coerente con la dicitura: “9′ aumentata”, sullo spartito avrei dovuto scrivere “Si diesis”, lo stesso a battuta 11 avrei dovuto mettere un “re doppio diesis”, per comodità di lettura ho messo gli equivalenti enarmonici.

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Ho inserito una parte di basso a quarti, ho preferito un andamento lineare con note dissonanti di passaggio, piuttosto che un arpeggio delle note dell’accordo, notate che la tonica dell’accordo [sempre presente] è preceduta dalla sua “sensibile”, quindi raggiunta per semitono inferiore o superiore.
Notate la presenza di alcune successioni: II – V – I (misure 4-5, misure 8-9…) e il Turnaround delle ultime 2 battute.

Se desiderate il pdf dell’articolo con lo spartito:
blues_in_mi.pdf